… à la révolte de nos jours

Antigone est une tragédie. La mort y est obligatoire et aucun pays, mieux que l’Espagne, n’entretient avec la mort une relation intime. L’Espagne adore la tragédie, les larmes et le sang. La corrida en est l’exemple le plus frappant, elle est la forme de spectacle contemporain la plus proche de la tragédie antique. Olé ! Le décor est planté une arène, una plaza de toro . Et Antigone devient « Antigona ». Dans l’adaptation, le coryphée est remplacé par Tirésias, narrateur et garant de l’histoire traitée façon Almodovar : exubérance, couleur, faculté de trouver du rire dans le tragique. 

… A propos de "Cuvée spéciale.."

Le fameux trio reste fidèle aux ingrédients qui ont fait son succès : superbes voix, réelle musicalité, humour décalé et travail précis sur les textes de présentation comme sur la partie comédie, une mise en scène millimétrée et une présence scénique bluffante… Un assemblage minutieux d'anciens et nouveaux morceaux, sketches et parodies donne un goût très plaisant à ce tout nouveau cru s'approchant sans nul doute de la cuvée d'exception !

Notes de mise en scène

Deux acteurs, une table, le carton posé sur la table, un écran, un micro. La scène ne figure pas un autre espace que la scène. Un dispositif vidéo simple permet de donner à voir les croquis, maquettes et plans des stations orbitales. Il y a dans le carton un instrument artisanal, accompagné de son mode d'emploi. Cette musique, censée être diffusée pour apaiser le climat à bord des stations à des moments précis (réveil, copulation, mort…), s'inspire des débuts de la musique synthétique, liée au fi lm de science-fiction.

Un dispositif bi frontal pour un diptyque…

Parce que ces deux pièces racontent toutes deux le mythe d'Io, personnage fondateur de la Méditerranée, il a paru évident à Olivier Py de maintenir liées ces deux oeuvres comme deux parties d'un même spectacle dans un dispositif bi frontal identique, pouvant être présenté sur des plateaux de théâtre comme dans des lieux non conventionnels.

Un destin entre espoir et fatalité

Le spectacle nous transporte dans le milieu paysan de l'Italie du début du vingtième siècle. La pauvreté, l'ignorance, la guerre en sont la toile de fond. Un homme plonge dans les souvenirs de son enfance pour nous raconter l'histoire de son grand-père :

Learco est né en 1911 à Lizzano, le jour de la création de l'usine de munition, la SMIqui allait faire la richesse industrielle de la vallée. Devenu grand, son père essaie de le convaincre de devenir ouvrier et d'entrer à la SMI mais Learco n'est pas de cet avis, sa passion pour l'accordéon le pousse vers un autre avenir.

Un spectacle à trois voix

Trois artistes : un musicien, un vidéaste et un comédien sont réunis pour raconter ensemble cette histoire.

La musique restitue l'atmosphère de l'Italie des années 40, 50. Les musiques de bals, de fêtes populaires, le tumulte de la guerre, la mélancolie du passé.

Les images vidéo basculent entre images d'archives et rêveries historiques.

Le texte, l'image, la musique s'allient avec émotion en une seule et simple harmonie, celle du Jazz à trois doigts.

Un clown philosophe

Marie Thomas reprend au féminin le texte et le personnage du clown SOL, créé par l'humoriste québéquois Marc Favreau. Seule en scène, dans un décor minimaliste, perdue dans son grand manteau rapiécé, « pôv' petit Moi » fragile comme la fl eur qu'elle tient à la main, elle interroge le monde et découvre, en s'aventurant sur la voie du langage qui se déglingue, les incongruités, les absurdités et les injustices de notre société.

Un jongleur du verbe

Le langage de SOL est celui des enfants. Il déforme les mots, les amalgame, les prend les uns pour les autres, se sert de contresens, d'homophonies. Verbalement, c'est une entreprise de démolition et en même temps de reconstruction poétique. Il joue avec les mots/les maux de la terre. Il les roule comme d'autres leurs cigarettes. Il révèle le sens caché du langage. Chaque mot est une fusée qui éclate sans jamais blesser. Il détraque la logique, il transgresse, Il tue de rire.  

Une étude de moeurs des petits propriétaires terriens

Dans cette courte pièce en 1 acte, le public est comme invité chez les Tchouboukov. Un jeune homme maladif, Lomov, vient faire sa demande en mariage. La mère, veuve soupe au lait, le reçoit. Nathalie, jeune fille vive et obstinée, l'espère. Une phrase malheureuse, un détail dérisoire… alors s'abattent toutes les vieilles rancoeurs qui couvent entre les familles, les contentieux jamais réglés, au travers des mots qui souvent dépassent la pensée.

Une représentation tout terrain

Dans un dispositif bi frontal qui accueille le public de façon conviviale et le fait participer à l'action, les comédiens de la compagnie des Lubies s'attachent à rapporter cette fable « ici et maintenant », pris au plus près de la lettre, puisqu'ils adaptent leur jeu au lieu qui leur est imposé sans y apporter d'autre élément de décor, d'éclairage ou de costume en dehors de ce que leur offre la réalité du moment. Avec une énergie démesurée, ils poussent jusqu'à la caricature les ressorts de cette farce qui atteint les sommets du comique et déclenche l'hilarité du public en même temps interloqué par un tel degré d'investissement des comédiens dans le jeu.

Une satire sociale de la province russe du XIXe siècle

Une lettre annonce au gouverneur l'arrivée d'un inspecteur du gouvernement, un « révizor », avec des « instructions secrètes ». La paranoïa et la mauvaise conscience se répandent immédiatement chez les autorités – l'inspecteur des écoles, le juge, le surveillant des établissements, le médecin du district – et ne tardent pas à leur jouer des tours. Quand, dans une auberge, arrive un jeune voyageur de passage, le quiproquo s'installe. La peur fait de lui le redoutable « Révizor »…

Un parti pris fort, celui du grimage

Sur le plateau, la proposition de Paula Giusti mêle comédiens et pantins de bois et de chiffons dans une simplicité scénographique de théâtre de tréteaux. Le rôle central du Revizor, celui à qui tous font la cour, est tenu par une marionnette à taille humaine. Pour les autres personnages, elle applique sur le visage des comédiens des postiches (nez, sourcils, cheveux), révélant, par la caricature du visage, la caricature des caractères. Le spectateur glisse alors progressivement dans un monde grotesque, fantastique et poétique à la fois.

Est-il possible qu'un personnage de roman refuse l'identite que lui a destinée l'auteur ?

Un écrivain travaille à son nouveau roman, un voyage dans l'univers des médecins humanitaires, lorsqu'il ressent la présence dans la pièce d'un homme debout dans le silence. Il comprend peu à peu qu'il se trouve face à son personnage qui lui annonce ne pas vouloir suivre le scénario qu'il lui destine. Sur la scène, espace idéal, la réalité et l'illusion se rencontrent. Toute frontière entre vrai et faux, mensonge et vérité, réel et irréel, est abolie.

Une mystérieuse ambiance de plateau

Sur le plateau sombre et nu, l'auteur pianote sur son ordinateur et ne voit pas arriver son personnage sorti de nulle part. La ressemblance physique des deux comédiens frappe d'emblée le spectateur crâne rasé, vêtements sombres, fines lunettes. La lumière de Jérôme Bertin soutient la tension qui caractérise les deux personnages. Yann Collette et Fabio Alessandrini ne cèdent pas, bien heureusement, à l'écueil d'un jeu tragique. Leur retenue rend l'échange crédible et mystérieux.

Une femme parle

Une femme seule, assise devant nous. Avec délicatesse, elle raconte des histoires d'amour. Des histoires vraies qui sont arrivées dans des lieux précis d'une ville précise. Elle insiste avec minutie sur tous les détails intimes : le coeur qui bat, les mains moites, le souffl e court, la peau qui frémit sous les doigts. Elle parle avec fébrilité comme si elle était en danger, comme si son coeur, sa vie, sa peau en dépendaient. Peu à peu, elle révèle ce qui la pousse à raconter et livre le secret insensé qu'un jeune homme lui a confi é, un jour, dans un café.

Le public comme confident

S'adaptant à tout style de plateau ou de salle, la mise en scène est très sobre pour donner plus de force à la sensibilité de la comédienne. Une proximité avec le public s'impose immédiatement. Elisa est seule, elle trouve en nous, public, un compagnon éphémère, un partenaire. Elle nous retient, comme nous retiennent ces esseulés qui sont dans le besoin de parler. Ses histoires sont des confi dences délicates et impudiques.